Meschede recibe a hoyesarte.com para hablar de su nuevo proyecto expositivo, Rodney Graham: A través del Bosque, que se exhibe en el MACBA hasta el próximo 18 de mayo.

¿Cómo surge la idea para el proyecto?

Hay varias razones. Esta es mi primera propuesta expositiva en MACBA y consideré oportuno mostrar la obra de un artista que tiene mucho que ver con Barcelona. Él ya estuvo aquí en 1992 en una exposición en el Centre d’Art Santa Mónica y, después, otra vez en 1994 en el Espai Poblenou presentando una gran exposición individual en la que se pudo ver por primera vez Halcion Sleep. En aquel momento, el MACBA todavía no existía. En 2005 vi una muestra en Berlín titulada Picasso My Master en la que había mucho humor y ambas ideas me llevaron a pensar que era una iniciativa perfecta para mi primera exposición en Barcelona. 

¿Por qué Rodney Graham?

Es una cuestión compleja; mi idea era la de concentrarme en un artista cuyos primeros trabajos e influencias han sido algo olvidados. Me interesaba mostrar sus primeros trabajos más conceptuales y sus obras basadas en textos escritos. Rodney Graham es uno de los artistas conceptuales más importantes de su generación y se hizo muy conocido a raíz de su participación en 1997 en la Bienal de Venecia, momento en el que comienza su otra fase artística. Me interesaba mostrar lo que hay detrás del Rodney Graham que se conoce hoy.

La exposición viajará a Basilea y Hamburgo, ¿cómo se adaptará a dichas capitales?

La exposición de Rodney está específicamente pensada para el espacio arquitectónico del MACBA. Por otro lado, me interesaba planteárselo a mis colegas en Hamburgo y Basilea. Graham había expuesto en Colonia, Múnich y Berlín, pero nunca antes se había expuesto en Hamburgo. Dada su tradición artística y el romanticismo alemán representado en la Kunsthalle, consideré muy importante mostrar estos puntos de unión. Con Basilea fue muy fácil ya que ellos también estaban planeando invitar a Rodney y aceptaron inmediatamente. La alegoría de la locura tiene también un elemento de unión con Erasmo de Rotterdam quien tiene una relación estrecha con Basilea y una presencia en la obra de Graham. Además de todo esto, Rodney tiene grandes coleccionistas en Suiza, pero tampoco se le había dedicado una muestra realmente importante.

El concepto se tendrá que adaptar a sus espacios y es posible que algunas obras queden fuera. Este mes viajaré a Basilea con Rodney para estudiar su perfecta adaptación al espacio. En el MACBA se sigue una línea específica que no sabemos si podrá repetirse en las otras sedes, pero el núcleo de la exposición, lo que yo llamo la Biblioteca, que está ubicada en la rotonda en MACBA, continuará siendo el espacio más relevante en las otras dos sedes.

Graham parece buscarse a sí mismo para expresarse en lo ajeno. ¿Cómo funciona el concepto de identidad en su obra?

Diría que, en general, cada artista tiene problemas con su identidad, es por ello que son artistas… y cada uno de ellos trata de buscar su propia solución, su lugar en el mundo del arte y en el contexto de la historia de éste. Rodney Graham tiene una forma muy específica de conseguirlo, lo hace mediante lo que llamamos «appropriation art» pero de una manera diferente a las iniciativas seguidas por artistas como Sherrie Levine. Rodney lo hace buscando su alter ego dentro de la literatura, en la historia del arte, en la historia del cine o, incluso, de la música. Siempre hay una investigación exhaustiva detrás de algo que le fascina, como puede ser una figura histórica recientemente descubierta por el artista en la que asienta esta idea de alter ego.

Las dos exposiciones actuales del MACBA tocan este tema del «appropriation art», un movimiento que surge en un contexto y un tiempo muy especifico, ¿cómo de relevante es el uso de esta práctica hoy en día?¿No resulta un tanto anacrónica?

Creo que, especialmente si tomamos la generación de Rodney Graham, los artistas a veces no tienen otra salida. «Appropriation art” es la única. Es quizás el movimiento más influyente desde el arte conceptual minimal, con sus estilos y formas, éste es quizá el último arte de vanguardia, el final de algo. Si, por supuesto que es anacrónico, pero el arte es anacrónico en sí mismo, todo el sistema del arte es anacrónico. Hay algo en él muy conservador, los artistas están buscando algo que falta, quieren conservar algo y transformarlo a otro medio para mantener una idea o valor que ellos creen que se ha perdido. Por esta razón, veo el arte minimal como la última vanguardia; y teniendo en cuenta esta idea de que no puedes ir más allá después del cubo o el cuadrado o la forma más minimal, surge la necesidad de empezar de nuevo, “appropriation art” es siempre un nuevo comienzo…

Dentro de la exposición nos encontramos con un libro escrito por el propio artista, al cual la audiencia no tiene acceso, ¿qué es lo que este libro representa? ¿Qué narra?

Es verdad, la audiencia no puede acceder a él, pero a la vez no es del todo cierto. La versión inglesa de la novela se concibió como una edición limitada y está hoy agotada. La edición francesa está todavía disponible en el mercado por veinte euros. No fue muy popular. Graham no es conocido como escritor, y a pesar de estar disponible desde hace años a un precio muy asequible, nadie la compró. En el contexto de A través del Bosque, esta obra actúa como un referente, un fenómeno visual con el que me interesaba mostrar las formas de traducción y no tanto el hecho de leer dicha obra. Los protagonistas de ambas obras son más o menos el mismo tipo de personaje. Ambos se perdieron en la oscuridad del bosque, metáfora de toda la exposición de Rodney Graham.

Hay algo oscuro detrás de la idea del bosque y de los sueños. El propio autor al inicio de su carrera estuvo muy influenciado por los escritos de Freud. ¿Qué hay de sueño o de pesadilla en los mundos creados por Graham?

Creo que hay mucho más de pesadilla que de sueño. Graham está muy interesado en Edgar Allan Poe, cuya complejidad como escritor le lleva a crear relatos en los que representa el lado oscuro de la vida. También le interesa Freud y el estudio del subconsciente. Tiene un gran afán por descubrir más sobre este terreno, esta área de nuestra constitución psicológica de la que no podemos saber más, puesto que no hay una ciencia que se adentre en ello. Se queda en especulación, se basa en la ciencia de la psicología e, incluso, ésto es sólo una oferta, un planteamiento que no puede ser probado. Rodney estaba fascinado por este fenómeno. Se vuelve quizás más positivo al asociarse con la pieza Halcion sleep y el consumo de estupefacientes, y el alcance de una situación en la que se sueña despierto, que ha fascinado tanto a la generación de Graham.

En sus trabajos, Graham toma como punto de referencia a un montón de estandartes de la modernidad: Poe, Freud, Wagner… ¿Cuál es su relación con Judd y su obra? ¿Por qué le elige a él?

Creo que no hay tal relación con Judd. Desconozco si se llegaron a conocer o no y cuál fue su reacción si en algún momento Judd llego a tener conocimiento de estos trabajos. Las primeras cajas se hicieron cuando éste vivía…  pienso que no le hubiera hecho mucha gracia ver sus obras como estanterías. Por el contrario, el humor está muy presente en las obras de Graham, en las que reacciona sobre algo que él encuentra en su condición de flaneur, esta idea del siglo XIX que aparece en la literatura alemana, en Walter Benjamin y otras figuras. Esta manera particular de leer el mundo y encontrar este «algo». Es la parte cómica de su trabajo, no todo está dentro de esta idea de oscuridad. El humor significa distancia, distancia para con Judd y para con otros artistas.

Pero como apuntaba anteriormente, éste es un gesto significativo, las estructuras de Judd representan el final de algo, no puedes ir más allá, no puedes hacer más minimal, así que Graham lo transforma en lo contrario y lo usa como una caja en donde emplazar algo. Lo que se emplaza en esta escultura minimalista convertida en estantería se convierte inmediatamente en algo muy significativo. Este concepto de vacío que guarda la obra de Judd puede verse dentro del contexto del subconsciente de la misma forma que la oscuridad del bosque. Considero que los une la idea del subconsciente, definitivamente no tiene nada que ver con una cuestión de estilo, o el usarlo como una referencia de la historia del arte. Es algo así como un subtítulo para ambos.

Teniendo en cuenta este concepto de humor y desorientación presente en la obra de Graham, ¿cómo encaja la  serie Picasso, my master dentro del contexto de A través del bosque?

Rodney admira profundamente a Picasso. Esta serie recoge la misma idea que podíamos ver en Judd. Cuando alguien tan activo y productivo como Picasso ya ha hecho casi todo lo que se puede hacer, abstracción, cubismo, expresionismo, clasicismo, todo lo que se encuentra dentro de la producción de Picasso, ¿qué queda después? ¿Qué se puede hacer después de Picasso? Es otra vez esta idea llena de humor de que lo único que queda es empezar donde ellos terminaron. Y así empezó a hacer pinturas, fascinado por la distribución de los colores en el lienzo.

El concepto casi inevitable de «loop» o repetición está presente a través de los diferentes medios en toda su obra, ¿qué significa para el artista? ¿Sigue la misma idea de que no podemos ir más allá?

El concepto de «loop» o bucle en arte está relacionado con la idea de melancolía. Esta idea de encontrar algo que no se quiere perder, que se quiere conservar, usar, ver una y otra vez. Se descontextualiza del concepto narrativo y se muestra sin parar una y otra vez. Es la metáfora de la melancolía, el miedo a que algo se pierda. La idea de que pierdes algo al mismo tiempo que disfrutas de algo cada vez que esto sucede.

Se ha descrito en muchas ocasiones  a Graham como amateur. En el contexto de la exposición lo vemos construyendo cámaras, zambulléndose en el mundo de la pintura… ¿cómo cree que encaja esta idea en relación con su obra?

El amateur está en relación con la idea freudiana. Un artista interesante aparece cuando éste admite que no es un experto. El arte es algo diferente a cualquier otra ciencia o cosa en el mundo. Y este estado de amateur está estrictamente en relación con la idea de subconsciente, la idea de continuar la búsqueda de algo nuevo, insertarse en otro terreno en el cual no se es experto, y descubrir nuevos medios como la pintura, escultura, fotografía, etc. Por supuesto, es experto de la técnica pero es un amateur en la manera en la que invita a las personas descubrir las cosas por ellas mismas. No es un planteamiento cerrado, donde él se posiciona como artista experto. Es una invitación para pensar más profundamente en el significado de sus obras.

Vemos oscuridad, pero también mucha luz, un elemento muy presente en su obra. ¿Cómo se ve reflejado este aspecto en la exposición?

Esto se percibe en todo momento en el contexto expositivo. Hay muchos flashes, muchas videoproyecciones. Chandelier es esencial, es la proyección de un candelabro. Éste, de por sí, da luz y se presenta aquí a través de  una maquina que produce luz. Se podría hacer un juego de palabras usando el inglés: «light». En inglés, “light” es una palabra muy cercana a «enlightment». Él usa la luz como un fenómeno que hace algo visible, a través de la fotografía, del vídeo. Sin luz no hay impresión fotográfica. Es una metáfora intelectual, la luz te mantiene pensando, abre tu mente y esto es lo mejor y lo único que puedes sacar del arte.

¿Cuál esta siendo la acogida de A través del bosque?

Hay siempre diferentes niveles. Los coleccionistas, galerías y personas que vinieron a la inauguración han quedado muy contentos ya que tuvieron la oportunidad de ver un nuevo punto de vista, otra estructura dentro de la producción de este artista tan consagrado. Creo que la exposición también ha impactado al publico general, por supuesto siempre hay diferentes niveles de recepción y quizás no todos se adentren profundamente en los conceptos de la exposición, pero lo más importante es que puedo ver que la audiencia dedica mucho tiempo cuando se adentra en A través del bosque.

¿Cuál es su próximo proyecto como comisario de exposiciones temporales en el MACBA?

Para el próximo proyecto, iremos un poco más atrás en el tiempo para presentar una exposición sobre el artista y galerista alemán Konrad Fisher. Fischer, que trabajó con artistas de la talla de Gerhard Richter y Sigmar Polke, entre otros, acabaría convirtiéndose en un comisario muy influyente. A finales de la década de los 60, Fischer invito a varios artistas americanos a exponer en Europa por primera vez. Entre 1967-1969 el arte minimal y conceptual llega a Europa a través de esta figura de vital importancia que contribuirá a su posterior desarrollo y distribución por el continente. 

Barcelona. Rodney Graham. A través del bosque. Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona (MACBA).

Hasta el 18 de mayo de 2010.

Comisario: Friedrich Meschede.

Una pequeña parte de la exposición también podrá verse en el Museo Picasso de Barcelona.

13/06/2010 – 26/09/2010   Museum für Gegenwartskunst de Basilea.
22/10/2010 – 23/01/2011   Hamburger Kunsthalle, Hamburgo.