Fotografía, vídeo y performance actuales en el Guggenheim Bilbao

Cinco categorías formales y conceptuales

1. Apropiación y archivo

A comienzos de los años sesenta, Robert Rauschenberg y Andy Warhol comenzaron a incorporar imágenes fotográficas en sus pinturas y establecieron así un nuevo método de producción visual que no se basaba en la entonces dominante abstracción gestual, sino en procesos mecánicos como la serigrafía. De ese modo, cuestionaron la noción del arte como expresión de un autor singular y heroico, y concibieron sus obras de una nueva manera: como depósito de información autobiográfica, cultural e histórica. Desde entonces algunos artistas, incluyendo a Bernd y Hilla Becher, Christian Boltanski, Richard Prince, Sarah Charlesworth o Sherrie Levine han seguido este impulso archivístico, coleccionando fragmentos de la realidad por medio de la creación de nuevas fotografías o apropiándose de las existentes.

2. Muerte, publicidad y política

Cuando Warhol creó sus pinturas serigrafiadas de Marilyn Monroe poco después de su muerte, tocó el lado más oscuro de una cultura mediática que florecía y que durante la guerra de Vietnam se había convertido en una parte integral de la vida diaria. Hoy en día, con grandes canales de difusión y reproducción de imágenes, acontecimientos tan diferentes como el ataque terrorista al World Trade Center y las muertes de famosos como la princesa Diana y Michael Jackson pueden convertirse en algo traumático a escala global. A raíz de esta nueva realidad cultural, artistas como Rachel Harrison, Adam Helms, Nate Lowman, Adam McEwen, Cady Noland, Walid Raad y Rosangela Rennó han reexaminado las estrategias de apropiación de imágenes de las que Warhol fue pionero, prestando especial atención a los modos en que un conflicto político puede llegar a tener importancia global.

3. Documentación y reiteración

Desde comienzos de los años setenta, la documentación fotográfica, incluyendo el cine y el vídeo, ha sido un importante complemento en el arte de crear performances en directo, a menudo condicionando cuáles se representaban y a veces, incluso, obviando la necesidad de una audiencia. A pesar de su carácter efímero, los artistas las han documentado en un intento de transmitir el significado de la obra. Para muchos creadores esos documentos asumen la función de reliquias, de objetos cuyo significado está profundamente ligado a una experiencia que ya se ha perdido en el pasado. Las obras de artistas como Marina Abramović, Sophie Calle, Tacita Dean, Joan Jonas, Christian Marclay, Annette Messager, Ana Mendieta y Zhang Huan examinan los distintos enfoques estéticos que inspiró el poder de repetición de la fotografía, la cual no sólo utilizaban para revivir sus performances (y las de otros), sino que con ella volvían a considerar la experiencia física de acontecimientos pasados. Estos artistas reconsideraron el propio documento como un objeto cargado de historia, prestando especial atención a su especificidad material.

4. Paisaje, arquitectura y el paso del tiempo

Una de las principales funciones históricas de la fotografía ha sido el registro de lugares en los que han ocurrido acontecimientos significativos, muchas veces traumáticos. Durante la Guerra de Secesión, que estalló poco después de que la fotografía se inventara, una nueva generación de reporteros se dedicó a fotografiar las batallas, pero debido al largo tiempo de exposición que requerían las primeras cámaras, tan sólo podían capturar las secuelas del conflicto. Esos paisajes sembrados de muerte son ahora doblemente llamativos porque representan espacios pasados donde ya ha ocurrido algo y ese estado de anterioridad, que se atestigua en una etapa tan temprana del desarrollo de la fotografía, indica la verdadera naturaleza de la imagen, que mantiene vínculos físicos y químicos con un pasado que desaparece tan pronto como ésta se toma. Como observadores, únicamente nos quedan rastros con los que esperamos reconstruir los acontecimientos ausentes y del pasado en los campos, bosques, casas y oficinas que vemos. De esta manera, muchos artistas, entre otros Clemente Bernad, James Casebere, Spencer Finch, Carlos Garaicoa, Ori Gersht, Roni Horn, Sally Mann e Hiroshi Sugimoto, han vuelto a lugares vacíos en paisajes y arquitectura, creando poéticas reflexiones sobre el paso inexorable del tiempo e insistiendo en la importancia de recordar y rendir homenaje al pasado.

5. Lo traumático y lo siniestro

La fotografía no sólo ha tenido un gran impacto en cómo entendemos la historia, ha alterado, o como algunos teóricos defienden, ha reconfigurado completamente nuestro sentido de la memoria personal. Desde el nacimiento hasta la muerte, todos los aspectos de nuestras vidas se han reconstituido en imágenes junto con nuestras experiencias vitales. Esta repetición, que se refleja en la propia tecnología del medio fotográfico, produce de manera efectiva una realidad alternativa en la representación que puede, particularmente cuando se trata de enfrentarse con hechos traumáticos, adoptar la fuerza de lo siniestro. Artistas como Gregory Crewdson, Anna Gaskell, Karl Haendel, Jeff Wall o Gillian Wearing explotan este efecto y construyen escenarios ficticios en los que el dolor y el placer de la experiencia personal vuelven con cualidades espeluznantes y de mal augurio.