La guatemalteca Regina José Galindo, el catalán Ignasi Aballí y el alavés Alfredo Álvarez Plágaro completan el programa del primer semestre, mientras que para el segundo, ARTIUM ocupará todas sus salas con exposiciones de su colección, con motivo del la celebración de su décimo aniversario.

El centro-museo vitoriano contará en total con un presupuesto de 4,5 millones de euros, lo que supone un recorte del 10,5% en sus cuentas anuales respecto al ejercicio que ahora termina.

Regina José Galindo. Piel de gallina. Del 27 de enero al 1 de mayo de 2012

La artista Regina José Galindo (Guatemala, 1974) presentará en ARTIUM su primera exposición individual en un museo en España, tras haber pasado por instituciones de todo el mundo y ser considerada una de las artistas de mayor renombre en el ámbito de la performance. Sus acciones se materializan en un corpus artístico multidisciplinar, a través de vídeos, fotografías, instalaciones y objetos escultóricos y su trabajo ha sido reconocido a través de numeras menciones y premios, especialmente el prestigioso León de Oro de la Bienal de Venecia en 2005.

A través de la exposición, Galindo enfoca una serie de problemas de la sociedad actual y una realidad descarnada en un discurso emitido a través de su propio cuerpo por medio de una serie de acciones igual de extremas y cargadas de simbolismo, que llevan a la artista a colocarse en situaciones límite en las que se pone en juego físicamente y que implican puntos de reflexión intensos para los espectadores.

El título, Piel de gallina, remite a un ámbito de lo literal, a la emoción suscitada por las obras de la artista, pero también a la propia piel, a lo matérico, y a lo humano de su trabajo, título que también inspiró a la artista para la realización de la performance inédita que llevará a cabo el día de la inauguración de la muestra.

La exposición trata de un viaje de la palabra a través del cuerpo, un viaje que comienza cuando en 1999 se colgó a diez metros en la ciudad de Guatemala para recitar sus poemas, y se bifurca en diferentes destinos, derivando en algún caso hacia “El otro”, ese otro como agente activo, bien como el vehículo sobre el que recae directamente la acción, como un personaje más de la trama –entendiendo trama como acción performativa– o como agente sin el cual dicha acción permanecería totalmente desactivada. Otro de los caminos se dirige hacia la propia artista, a su cuerpo directo y su persona, en unos casos desarrollado de un modo más poético, en un espacio donde predomina la metáfora. La otra cara de la moneda nos presenta la Regina más carnal o, más bien, más descarnada.

No es pero sí es. Cerca del Guernica. Del 30 de marzo al 2 de septiembre de 2012

Tomando el paradigma del Guernica se plantea un ambicioso proyecto que combina tradición y modernidad y que se concibe como un ensayo múltiple sobre la obra. Se trata de desgranar su proceso, analizar su valor icónico, valorar su discurso, constatar su actualidad permanente y resaltar las paradojas discursivas antifetichistas que se plantean dentro del debate que el propio arte realiza sobre sí mismo y su papel en una sociedad como la actual.

La propuesta para esta exposición consiste en la realización por parte del artista donostiarra José Ramón Amondarain de ocho lienzos con réplicas del mítico cuadro de Picasso. En concreto, ocho obras que materializan el proceso de ejecución de la obra, basadas en la conocida serie de fotografías que Dora Maar realizó durante su elaboración. Su presentación estará diseñada para ser mostrada cronológicamente, desde el primer abocetamiento hasta su presentación final y se situarán aislados unos de los otros, de tal manera que el espectador irá encontrándose con cada uno de los ocho lienzos y sintiéndose inmerso en su proceso de ejecución, a su tamaño casi original.

Paralelamente, a la manera de una contextualización procesual, FUE Y NO DEJA DE SER. CERCA DEL GERNIKA, aportará una renovada y particular visión a partir del trabajo realizado exclusivamente para la ocasión de cuatro de los artistas contemporáneos españoles: Cristina Lucas, Pepo Salazar, Daniel García Andújar y Pilar Albarracín. Los creadores se pondrán en el papel del artista malagueño y han recibido el encargo de realizar un preparatorio de un “presunto” Guernica, pero en esta ocasión basado o inspirado en hechos, en acontecimientos o en situaciones actuales. Estos proyectos se irán presentando de manera rotativa y con una duración de cinco semanas cada uno en un espacio anejo al de los lienzos de Amondarain, configurándose así todo el proyecto como dos exposiciones interrelacionadas.

Con esta propuesta salen a la luz temas como la réplica y el apropiacionismo como formas eternas de la historiografía del arte, que se hacen más evidentes hoy con todas las posibilidades de presentación, representación y reproducción. Por otro lado se propone analizar el valor icónico de esta emblemática obra y demostrar la capacidad que ha tenido para ocupar un espacio en las mentes de una gran parte de la ciudadanía de todo el mundo, convirtiendo sus reproducciones de manera instintiva y automática en discursos antibélicos o favorables a un deseo positivo socialmente.

Ignasi Aballí. No es el fin. Del 4 de mayo al 2 de septiembre de 2012

El catalán Ignasi Aballí, uno de los artistas más consolidados del panorama nacional, se encuentra próximo a las prácticas conceptuales que desarrolla su obra a través de vídeo e instalaciones, utilizando en ocasiones técnicas y materiales peculiares como tipp-ex, luz, polvo, retales de periódico etc.
Su obra es una reflexión sobre los límites de lo artístico y su relación con la vida cotidiana, de donde el artista extrae la mayoría de sus materiales. Otras están vinculadas al preciso espacio donde se estén exponiendo y son concebidas entonces en relación a la arquitectura.

En esta ocasión, el título de la exposición, No es el fin, remite a una abierta diversidad de significados y posibilidades, que son a un tiempo las cualidades de las obras de Ignasi Aballí y la vocación de la muestra. Está relacionado, antes que nada, con el título de una pieza cinematográfica que Aballí proyecta realizar para la exposición. Su nombre en inglés, This is not the end, engloba tanto una referencia más que evidente a la historia del cine como una descripción de su condición técnica de imágenes en movimiento: el bucle infinito. No es el fin es una expresión ambigua que indica, por una parte, que lo que uno vive, presencia y ve no constituye un fin en sí mismo, o sencillamente que ésta no es la última exposición del artista, que las cosas se siguen moviendo.

Aballí concebirá para esta ocasión no solamente obras inéditas, sino que estas se enmarcarán en un espacio especialmente modificado por el artista que dará como resultado un proyecto rotundo que podría sintetizarse como un insólito compendio de imágenes sin palabras o palabras sin imágenes.

Plágaro. Equal. Algo igual a sí mismo es distinto. Del 18 de mayo al 2 de septiembre de 2012

El trabajo del alavés Alfredo Álvarez Plágaro presenta la peculiaridad de usar su libertad creativa para limitar su propia libertad. Sus Cuadros iguales consisten en la repetición “manualmente mecanizada” del mismo motivo pintados de la misma manera, sin buscar en ningún caso la diferencia consciente. Con un planteamiento pictórico clásico, y usando técnicas también clásicas, ha logrado crear una pintura “no clásica”, la cual, además, está totalmente imbricada con su persona.

En su exposición en ARTIUM, Plágaro dará por primera vez una nueva vuelta de tuerca a su obra, al llevar la misma al paroxismo de la hipérbole repetitiva. Para ello creará varias series de Cuadros iguales que tendrán como característica especial el elevado número de unidades pintadas por serie (cien, doscientas, trescientas, etc.).

El artista creará un microespacio dentro de la sala que sumergirá al espectador en un entorno caracterizado por ritmos de vacío espacial con otros de densidad pictórica repetitiva totalmente fuera de lo común. De este modo, el espectador se verá atrapado visualmente y, cuando menos, conducido al asombro por estos grupos de Cuadros iguales ”monumentales”, únicos, no únicos, y en el fondo, distintos e iguales.

Colección ARTIUM. Tirar del hilo. 3 proyectos expositivos de la colección. Exposición 10º Aniversario. A partir de octubre de 2012

Tres son los proyectos, independientes entre ellos, que se agrupan bajo el paraguas de la Colección ARTIUM y un mismo concepto inicial: Tirar del hilo. La iniciativa nace con la intención de mostrar a un mismo tiempo la riqueza patrimonial de esta colección y la multiplicidad de lecturas posibles de las obras recogidas en ella.

Cada inicio de temporada, ARTIUM muestra un proyecto de la colección de gran envergadura, una imagen contextualizada de sus obras con el momento histórico en el que se exhiben, al tiempo que da acceso al público a una parte importante de las nuevas incorporaciones, como adquisiciones o depósitos.

En esta ocasión, y con motivo del 10º aniversario de la apertura del centro-museo, toda su capacidad expositiva estará puesta al servicio de la colección. Los proyectos que conforman Tirar del hilo contarán con la totalidad de las áreas expositivas de ARTIUM, es decir, más de 3.500 metros cuadrados, a los que se añadirán lugares habitualmente no expositivos, como el exterior del mismo, la plaza interna, las escaleras, el hall de entrada, etc. En su conjunto se mostrará una selección de aproximadamente 300 piezas.

Cada uno de estos tres espacios está comisariado a partir del mismo principio generador, pero con la suficiente autonomía para mostrar una estructura propia. Así estos proyectos convivirán durante tres meses, momento en el que dos de ellos cerrarán para dar espacio a futuras exposiciones.

Como principal objetivo se marca contextualizar y poner en valor las obras a los visitantes del museo. Para ello, cada uno de los proyectos incluye la elaboración de comentarios críticos de las obras seleccionadas.

PRAXIS. 4 proyectos anuales. Espacio Praxis

Una vez más se desarrollarán los proyectos que tienen lugar bajo el título Praxis, una serie de proyectos que con casi dos años de desarrollo ya han cobrado una entidad y carácter propio y han demostrado un enorme interés por parte tanto del público vasco como del ámbito internacional.Enlazan con la cultura del DIY (Do It Yourself) y emergen como consecuencia de la actual crisis económica, al tiempo que surge como laboratorio o taller experimental, de carácter dinámico, complementario y que genera de manera independiente un módulo alternativo a la programación anual. Tiene un carácter de improvisación, y se sustenta en valores como el reciclaje, lo procesual, lo relacional, y, sobre todo, la acción directa y el “Hazlo tú mismo”.

Como novedad, este año se plantea una original modalidad basada en el concepto de co-comisariado, para el cual se invitará a jóvenes comisarios a plantear propuestas curatoriales en colaboración con el museo, siguiendo los mismos parámetros que configuran el programa Praxis. Esta nueva propuesta permitirá generar una serie de redes que, por un lado, aportarán nuevas visiones y perspectivas, así como proporcionará una plataforma de difusión del museo, introduciendo nuevos agentes que participen en los proyectos, así como la expansión de este tipo de proyectos que tanto encajan en este momento de recesión a partir de una apuesta por nuevas alternativas y búsqueda de una constante renovación y revisión de los modelos expositivos.